MALEDIZIONE INDIE

Di Alessio Boccali

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Dapprima indie e basta, poi indie pop e sul finire ITPOP prima di essere assimilato al pop a tutti gli effetti. Lo abbiamo chiamato in tutti i modi questo “genere musicale” che negli ultimi anni ha riempito le nostre playlist e le nostre orecchie.

Questa tendenza musicale ha vissuto una parabola ascendente tale da far dibattere molto: si son aperti talk sull’indie, improvvisati dibattiti e, addirittura, scritti diversi libri. Ora però che succede? siamo giunti al “canto del cigno”? È notizia di poche ora fa lo scioglimento dei Canova, band milanese di casa MACISTE DISCHI; la notizia ha fatto di certo molto rumore, come accaduto nemmeno un anno fa con l’allontamento dai thegiornalisti e il conseguente esordio da solista di Tommaso Paradiso. Non parliamo poi della separazione professionale tra Carl Brave e Franco126, notizia che è passata forse più in sordina perché mai ufficialmente annunciata con post et similia, ma che ha portato dispiacere a non pochi ascoltatori. Insomma, tanti indizi fanno una prova, l’indie nostrano, per come avevamo imparato a conoscerlo negli ultimi anni, dunque nella sua accezione più pop e mainstream, sembra proprio agli sgoccioli.

Qualcuno naturalmente resiste (o ci lascia con la speranza che sia così): son certo che Calcutta viva da eremita in qualche campagna e stia preparando un ritorno in grande stile, Gazzelle ha rispolverato dal nostro armadio dei ricordi gli Zero Assoluto e ci ha cantato in un singolo nemmeno malaccio, COEZ è vivo, ogni tanto caccia fuori un feat. in cui la sua presenza è forte, poi torna sotto la sabbia, forse a lavorare a un nuovo progetto, altri come Motta o Brunori SAS – tanto per citarne due, ma di esempi da fare ce ne sarebbero un po’ – non hanno mai del tutto virato verso il mainstream – e per questo ho titubato prima di inserirli qui – conservando il loro alone di mistero e, forse proprio grazie a questa scelta, si son salvati dalla maledizione dell’ITPOP. Per i sopracitati il mondo non è mica finito, sia ben inteso, si è aperta forse una nuova pagina di vita, si è compiuta una scelta definitiva tra mainstream e mondo indipendente abbandonando quello che probabilmente era diventato un limbo troppo stretto e nel quale per varie esigenze – comprese quelle artistiche naturalmente, ma non solo – era impossibile rimanere.

Vasco Brondi, il quale anche lui già nel 2018 ha chiuso il percorso artistico de Le Luci della Centrale Elettrica per “ripartire in altre direzioni” (parole sue), ha pubblicato un libro praticamente undici anni fa, “Cosa racconteremo di questi cazzo di anni zero”, del quale, tralasciano il contenuto non in tema, mi piace prendere in prestito proprio il titolo per poi parafrasarlo così: “Cosa racconteremo di questo cazzo di indie”. Non voglio nemmeno togliere la parolaccia perché dà più enfasi a quello che è stato un fenomeno del quale probabilmente avremo da parlare ancora a lungo. Toccherà capire se a posteriori o dopo una nuova rinascita.

P.S. Tutto ebbe inizio, probabilmente, da Calcutta, ergo finché c’è Calcutta c’è speranza.

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ph. Credit Rolling Stone Italia

LEGNO: Mi “Casa De Papel” es tu “Casa De Papel”

Di Alessio Boccali

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Praticamente in contemporanea con l’uscita in Italia della quarta stagione de “La casa di carta”, i Legno, progetto indipendente formato da due ragazzi toscani – che noi conosciamo solo come Legno Felice e Legno triste – di casa Matilde Dischi, hanno dato alla luce il loro nuovo singolo intitolato proprio “Casa De Papel”. Il brano (una co-produzione Matilde Dischi-Artist First), è entrato da subito nelle playlist editoriali di Spotify “New Music Friday” e “Indie Italia” confermando il grande successo di stream del duo, e anticipa “Titolo EP”, l’album dei Legno in uscita nei prossimi mesi. Ad impreziosire il brano, i due toscani hanno lasciato che, in questi giorni di quarantena, fossero i loro fan i protagonisti del videoclip ufficiale del pezzo.

Ciao ragazzi, come state? Innanzitutto, spero di essere arrivato dopo che avete finito di guardare la nuova stagione de “La Casa De Papel” e che non avete subito degli spoiler. A proposito, da cosa nasce questo titolo per il vostro nuovo singolo?

Ciao! (Ride… solo Legno felice, naturalmente. N.d.r.) “Casa de Papel” è una serie che ha rivoluzionato e scosso le fantasie di milioni di persone. Nel ritornello del pezzo che fa “È bello finché dura anche se non è bello”, si racchiude il senso dell’intero brano: quanto vorremmo che un momento bellissimo possa durare per sempre? Peccato che non sia così.

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La frase ricorrente del pezzo l’avete già citata ed “È bello finché dura anche se non è bello”; portandola ai giorni drammatici che stiamo vivendo, e pensando soltanto al tempo che noi cittadini, fortunati perché stiamo bene, dobbiamo passare a casa, può essere un incitamento a trovare il “bello” anche in questa quarantena?

Casualmente questa frase è molto vicina ad ognuno di noi in questo momento. Sapere che possiamo trovare qualcosa di bello e che ci tiene occupati in un contesto del genere è fondamentale. Di solito le piccole cose della quotidianità che riteniamo poco importanti si mostrano fondamentali. Esempio fare una torta, leggere un buon libro, iniziare a fare esercizi fisici ecc.

Sempre parlando di titoli, da dove viene l’idea, a mio modesto parere, geniale di chiamare il vostro prossimo EP “Titolo EP” e cosa ci racconterà?

Volevamo dare un seguito al nostro “Titolo Album”, ci piaceva non dare importanza ad un singolo pezzo o ad una parola frase in particolare, così abbiamo optato per “Titolo Ep”. Toccheremo diversi temi: su tutti, quello sentimentale e quello della nostalgia…

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Legno è il nome del vostro progetto, una scatola, un contenitore quindi, è invece il materiale che nasconde i vostri volti. Se uniamo queste due cose: il legno e il contenitore possiamo pensare ad un cassetto. Cosa c’è nel vostro cassetto di vita: aspirazioni, sogni ecc. ma anche e soprattutto la vostra personalità, il vostro vissuto… Cosa di tutto ciò ci aiuta a conoscervi meglio dell’eventualità di guardarvi negli occhi?

Hai colto perfettamente il senso della questione scatola, un cassetto dove teniamo le nostre cose, lo apriamo e attraverso i nostri brani cerchiamo di far uscire tutti i nostri pensieri, emozioni, ricordi, pezzi di vissuto che volevamo tirare via da questo cassetto. Noi siamo due amici che sentivano l’esigenza di far arrivare prima di tutto le canzoni, così comunichiamo con gli stati d’animo più comuni: Legno Triste e Legno Felice. Tutti noi passiamo dalla felicità alla tristezza senza pensarci, per noi è stato molto importante arrivare a comunicare quello che siamo senza far sapere chi siamo, a volte l’apparenza inganna e con i Legno non ingannerà mai perché tutti noi siamo felici e tristi… 😊 🙁

Legno è un progetto indipendente, ma in questo calderone negli ultimi anni sono stati inseriti tantissimi artisti. Cos’è per voi essere indie e cosa vi distingue nella vostra musica?

Noi facciamo musica per il piacere di farla, non ci piacciono molto le etichette. La musica indie, se così la vogliamo definire come genere, è un qualcosa che ha fatto aprire gli occhi su una realtà che vive e che si sta pian piano affermando. E di questo non possiamo che esserne felici.

Per realizzare il videoclip de “La Casa De Papel” avete chiesto aiuto ai vostri followers, è molto bello il messaggio che date con il video e che ribadite in grafica nel finale: ovvero che uniti ce la si fa sempre.

Siamo molto felici di aver lanciato un messaggio solidale e di sensibilizzazione per il periodo che stiamo passando. Pensiamo che la musica abbia l’obbligo morale di trasmettere qualcosa di buono e di unire le persone che in questo momento si trovano in difficoltà. Noi nel nostro piccolo abbiamo contribuito a lanciare un messaggio, cercando di fare impiegare il tanto tempo libero ai nostri fan per divertirsi e passare un po’ di leggerezza insieme a noi…

Per finire, facciamo un gioco: cinque brani per non sentire troppa nostalgia delle persone che in questo momento non possiamo abbracciare.

“Kurt Cobain” di Brunori Sas, “Al Telefono” di Cesare Cremonini, “At The Door” degli Strokes, “Once” di Liam Gallagher e “Dead Meat” di Sean Ono Lennon.

 

Galeffi e quel giusto compromesso tra pancia e testa

di Chiara Zaccagnino
GALEFFI_foto di Sara Pellegrino x Mine_b

ph. Sara Pellegrino x Mine_b

Abbiamo incontrato Galeffi a un anno dalla fine del fortunato tour di “Scudetto”, il disco che ha segnato il successo del suo esordio e che lo ha portato su più di 70 palchi in tutta Italia, dal MiAmi Festival di Milano al concertone del Primo Maggio di Roma. Da poco il cantautore romano ha annunciato l’uscita, in primavera, del suo secondo lavoro e lo ha fatto con tre nuovi singoli che anticipano tutta la sua voglia di sperimentare e stupire, anche questa volta.

Ciao Marco, prima di tutto…come stai? Com’è stato questo ritorno?

Ciao Chiara! Guarda, da una parte non vedevo l’ora, perché comunque l’attesa è sempre un po’ una rottura, soprattutto quando hai lavorato per un anno alle nuove canzoni e non vedi l’ora che la gente le possa ascoltare. Quindi, meno male che sta ricominciando tutto quanto!

Ti sei preso un anno di pausa, che ormai è considerato anche un periodo abbastanza lungo, per scrivere il tuo nuovo disco. Com’è stato lavorare a questo nuovo progetto rispetto al primo?

È stato diverso, perché con il primo non hai la lucidità per capire che forse quel disco ha dei difetti: ti sembra tutto meraviglioso perché è il primo disco che fai uscire e per te è anche l’ultimo. Questa volta invece sapevo di dover fare un “secondo disco”, che la gente aspettava delle canzoni. Poi, da persona un po’ perfezionista, volevo fare una roba migliore di “Scudetto”, quindi c’erano delle ansie, indubbiamente. Però funziono meglio nei momenti di stress, nei momenti di relax non rendo…in tutte le cose, non solo come Galeffi ma proprio come Marco! Alla fine di tutto, devo dire che sono molto contento del lavoro perciò non vedo l’ora che esca il disco e basta!

È dall’uscita dei primi tre singoli successivi a “Scudetto” che la tua produzione si discosta un po’ da ciò che ti ha fatto conoscere e amare, fin da subito, dal pubblico. Gli ultimi tre, che saranno contenuti nell’album, sono un’ulteriore conferma di una strada diversa. Sembra che il cambiamento non ti spaventi ma, anzi, che tu gli stia andando incontro con molto entusiasmo, è così?

Sì, hai detto bene, volevo sperimentare un sacco in questo disco: volevo testare, volevo vedere come potessi rendere io su altri generi e su altri mood. Perché rimanere sempre troppo fedeli a stessi non era una cosa che mi attirava; c’è chi lo fa, ma io volevo rischiarmela un pochetto. Se rifaccio sempre la stessa cosa sono il primo a non crederci più, sono una persona molto curiosa quindi chiaramente a ripetere la stessa cosa, l’avrei fatta peggio. Era proprio, ovvio per me, fare una cosa diversa.

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È anche passato un po’ di tempo da quando hai scritto i tuoi primi pezzi, un’evoluzione è naturale.

Sicuramente: diventi un po’ più bravo, ma non sempre diventando più esperto rendi di più. Certe volte il sapere troppo, in realtà, è una censura: non sapere le cose ti dà più libertà creativa, perché le poche cose che sai le ottimizzi al massimo, mentre, se ne sai tante, sintetizzarle diventa una roba molto più cerebrale…e una cosa più è cerebrale, meno arriva. Bisogna sempre trovare il giusto compromesso tra pancia e testa.

Parliamo di questi tre singoli, da poco usciti: prodotti dai Mamakass, accompagnati dai video di Ground’s Oranges e Luther Blisset. Com’è stato collaborare con loro?

I Ground’s Oranges li avevo contattati io perché sono un loro fan. Mi piacciono molto e quindi non li ho voluti influenzare perché mi fidavo della loro fantasia. Quando mi hanno proposto questa cosa anche un po’ strana, ho detto “Cavolo dai è forte, è una roba che non si vede tutti i giorni”. Ecco, questo dimostra che oltre ad essere un disco coraggioso, anche le scelte fatte non volevano accontentare nessuno, anzi, non dico che sono state fatte per scioccare, ma almeno per non risultare neutre.

Con “America”, invece, hai partecipato in prima persona anche alla sceneggiatura del video.

Sì, ero a casa di un mio amico a Milano e, parlando degli step che avrei dovuto affrontare, confesso che la sceneggiatura che mi avevano proposto per il nuovo video non mi convinceva e che avrei voluto scriverla io. Così, partendo da quello che avevo immaginato io nella canzone, siamo arrivati alla conclusione che il video perfetto sarebbe stato quello che poi è uscito, ispirato a LaLaLand: quando ho avuto quest’idea l’ho comunicata alla mia equipe, loro erano entusiasti e l’abbiamo girato.

Mi sembra di capire che “America” sia una canzone abbastanza importante per te.

“America” è una canzone importante, ma non solo per me. Mi auguro, anzi ne sono sicuro, che tra vent’anni sarà uno dei capisaldi della mia carriera.

Dunque, ti sei occupato anche delle immagini che la accompagnavano: quanto conta per te questo aspetto in generale?

In generale non troppo, mi piacciono le canzoni e i video mi fanno perdere un po’ la concentrazione. Ovviamente, quando poi fai le cose per te, un’importanza cerchi di dargliela e in qualche modo ci sono stato dietro. Però la canzone è più importante. Per questo non amo Spotify: perché, pur essendo intelligente come concetto di base, ovvero mettere la musica prima di tutto, è diventato troppo “usa e getta”. Ci vorrebbe più spiritualità nell’approcciare la musica ma chiaramente non è da tutti.

Tornando alle canzoni, le prime due sono molto diverse tra loro: l’una leggera, rock, sguaiata, l’altra quasi jazz, più raffinata e che risente di influenze importanti. Quindi, cosa dobbiamo aspettarci dall’album in arrivo?

Sì, “Cercasi amore” e “America” sono un po’ due poli opposti del disco, che è proprio ciò che sta a metà strada, ha più facce. Queste due canzoni sono state scelte come prime consapevolmente: nel disco ci saranno anche canzoni che ricordano il vecchio Galeffi, però ci interessava che la gente, a quello, ci arrivasse da sola. Abbiamo voluto far vedere il lato che non ci si aspettava, un po’ per creare del panico, un po’ per complicarci la vita…quindi va bene così. È una scelta fatta per stuzzicare e pure per dare fastidio: voi vi aspettate quella canzone, noi ve ne facciamo sentire un’altra!

Infatti nell’ultimo singolo, “Dove non batte il sole”, mi è sembrato non solo di scorgere il nuovo Galeffi, ma anche, soprattutto, di ritrovare il mood e le tematiche che ti contraddistinguono. In questo caso, cos’è il “freddo” che senti nella canzone?

Beh, penso che a tutti capitino quelle giornate in cui ti guardi dentro e non vedi niente…alla fine parla di quello. Poi la canzone era nata anche un po’ per scherzo, perché io e Gigi (amico e chitarrista, n.d.r.) lo diciamo sempre, che la vita non è facile e che “domani andrà soltanto peggio”. Da questo concetto, quasi scherzando, è uscita la prima parte della canzone: rileggendola mi piaceva e ho continuato.

Il ritornello prosegue dicendo “Non resteremo da soli nel letto, questa notte no”: allora una soluzione c’è, per non morire di freddo?

La speranza è un concetto importante nella vita: alla fine, questa canzone elenca in maniera poetica i problemi di tutti i ragazzi che, se hanno un minimo di sensibilità, non possono non avere un po’ di inquietudine nel vivere, nel farsi delle domande. La speranza è fondamentale, se no uno non si alza dal letto. Perciò mi piaceva chiudere il ritornello della canzone con “io una cosa la so, stanotte non moriamo di freddo”. Abbracciamoci, facciamo l’amore e poi, chi vivrà vedrà. In realtà è anche una sorta di carpe diem, perché è inutile che ci fasciamo troppo la testa, pensiamo a vivere le cose, che la vita è una e prima o poi tocca a tutti: godiamoci la vita, anche se è dura.

Ultime battute: sei pronto a tornare sui palchi?

Sì, sono pronto! A livello pratico no, perché dobbiamo ancora fare le prove…ma con la testa sì, perché ‘ste canzoni ora le vorrei anche suonare!

Sicuramente tornerai anche ai festival, che sono un’occasione di confronto con tanti altri artisti: c’è qualcuno di questi che stimi e che ti ispira particolarmente?

Più di tutti Andrea Laszlo de Simone, è la mia fissa dell’anno: lo ritengo essere davvero un campione, che meriterebbe molto di più e sono convinto che in altre nazioni europee avrebbe dieci volte il successo che ha qui. L’Italia purtroppo è un paese molto fanatico a livello musicale, come nel calcio. Poi chiaramente c’è Cesare Cremonini che è sempre un compagno di viaggio: è l’unico artista italiano che non ho mai lasciato da quando l’ho scoperto con “…Squérez?” che ero piccolino, andavo alle elementari. È dal primo disco da solista che vado a sentirlo live.

E anche lui ha quest’abitudine di sparire per un po’ e non tornare mai uguale a sé stesso.

Sì, infatti è per quello che lui è un esempio, non ha mai fatto un disco uguale a quello di prima, ha sempre rischiato, ha sempre fatto roba di qualità. Non mi piacciono gli artisti che fanno un disco ogni anno: non mi dici niente, non mi dici la verità. Puoi essere anche uno che scrive molto, quello è soggettivo, però al di là di quanto tu possa scrivere, se devi fare un lavoro certosino ti serve un po’ di tempo, anche per accumulare le idee, metabolizzare i concetti, i pensieri. Un disco ogni anno fa male alla musica.

Ancora a proposito di colleghi: ultimamente molti artisti si uniscono per collaborazioni e featuring, ma a te finora non è successo. Hai in programma qualcosa del genere?

Secondo me queste cose a volte accadono per motivi di forza maggiore; altre volte, invece, due artisti si conoscono, si crea un’amicizia, nasce fuori una canzone ed è tutto naturale. Per quanto riguarda la prima opzione, quando mi è stata presentata, ho sempre rifiutato perché le canzoni sono molto intime, condividerle con uno che non conosci non porta a nulla. Sto aspettando che nasca una collaborazione in maniera molto naturale e magica: qualora accadesse, volentieri. Però non le puoi forzare queste cose, no? Quindi vediamo, sicuramente in futuro capiterà…però, insomma, per ora va bene anche da solo!

Bucha e il suo mondo in bilico tra cantautorato e rap

Di Manuel Saad

CC2A9814Il progetto del giovane romano Giorgio Di Mario, in arte Bucha, si è concretizzato con l’uscita del suo primo album “Alla fine volevo solo pagare una cena a mia madre”: nove brani che buttano fuori tutto quello che un 23enne nasconde dentro di sé.
Lo abbiamo intervistato per farci raccontare un po’ del suo mondo.

“Alla fine volevo solo pagare una cena a mia madre”. Com’è nata l’idea di chiamare così il tuo primo album?

Da un’intervista come questa. Era una risposta che ho dato al mio interlocutore e mi sembrava racchiudesse dentro tutto quello che volevo esprimere con questo progetto. È un titolo fuori dai canoni di marketing, difficile da ricordare ma che allo stesso tempo incuriosisce.

“Rotazione”, “Traslazione” e “Rivoluzione” sono tre singoli con tre titoli forti. Cos’hanno in comune questi tre pezzi e cosa li differenzia totalmente?

Nascono in periodi diversi, hanno sonorità molto diverse, ma sono accomunate dall’attesa di un treno, da una donna e da un cocktail pieno di ghiaccio. Fanno parte di una piccola demo, chiamata “Anni-Luce”, che aveva lo scopo di sancire la distanza tra me e la scena attuale. “Rivoluzione” e “Rotazione” sono entrate nel disco, a differenza di “Traslazione” che è rimasta fuori, ma sono legato in particolar modo a quel brano e tutti i live vengono aperti da quella canzone.

Molte volte, un brano mette a nudo l’artista. Qual è stato il brano, in quest’album, con cui hai avuto più difficoltà nella scrittura, da questo punto di vista?

Forse “Capodoglio 216” visto che ci ho messo un paio di mesi a chiuderlo. È un pezzo molto profondo e personale, e trovare le parole giuste non è stato semplice, ma a livello di scrittura è sicuramente tra i migliori del disco.

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Come ti sei avvicinato alla musica ed in particolare al mondo del rap?

Sono nato con la radio accesa. Da bambino, in casa mia e in quella dei miei nonni con cui sono cresciuto, ascoltavo solo cantautorato italiano. Durante il periodo delle medie ho ascoltato molto rock, punk e metal, per poi arrivare al rap. È successo completamente a caso, e pian piano ho capito che il rap riusciva a rendere meglio i concetti e le tematiche che scrivevo.

Cosa vuol dire fare rap in una città come Roma?

Provare ad emergere in un mare di squali

In un’intervista, hai detto una cosa molto importante: “È importante capire il perché una persona dovrebbe apprezzare la vostra arte. Se hai qualcosa da dire, la gente se ne accorge.”
A questo punto ti chiedo cosa contraddistingue Bucha. Cosa ha da dire?

Bisognerebbe chiederlo a chi mi ascolta. Io mi limito a cercare di migliorare ogni giorno la mia scrittura, di arrivare meglio al punto, di provare a parlare anche di quello che mi fa più male, di mettermi il più a nudo possibile senza paura delle conseguenze. Il resto sta al pubblico e di come assimila ciò che scrivo.

 

 

 

RED BRICKS FOUNDATION, dal quartiere Trionfale a Pete Doherty

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Di Alessio Boccali

Dai mattoncini rossi di Trionfale “verso l’infinito e oltre”, come direbbe Buzz Lightyear. I Red Bricks Foundation (Lorenzo Sutto, Claudio Cossu, Marco Cilo e Jacopo Corbari), nonostante la giovane età dei suoi componenti, hanno già alle spalle una notevole gavetta ed una bella esperienza nel talent show X Factor. Da poco è uscito il loro primo singolo in italiano “Ho perso la testa” e tanta carne è al fuoco per affrontare l’inverno con delle piacevoli sorprese. Nel frattempo, in questa afosa estate di lavoro, venerdì 5 luglio incontreranno uno dei loro idoli, Pete Doherty, e apriranno il suo concerto romano al Social Park.

Di tutto questo e di tanto altro ho parlato con Claudio, il chitarrista del gruppo.

Ciao Claudio, partiamo dagli inizi. Come sono nati i Red Bricks Foundation e qual è stata la gavetta affrontata fino ad ora?

Un abbozzo dei Red Bricks Foundation nasce nel 2011 grazie a Lorenzo (il frontman attuale della band) e ad una bassista con la quale lui suonava all’epoca. Il progetto prende questo nome da una strada costeggiata da mattoni rossi qui a Trionfale (nell’area ovest di Roma), il nostro quartiere. A dire il vero, inizialmente, Lorenzo voleva soltanto scrivere una canzone su questi mattoni, poi però, nel frattempo, la sua band dell’epoca si scioglie ed allora questi mattoni rossi, questi red bricks, diventano parte del nome di quella che ora è anche la mia band (io sono entrato nella “famiglia Red Bricks” circa due mesi dopo la fondazione “ufficiale”). Da allora ci sono stati un po’ di cambiamenti di formazione, fino a stabilizzarci circa un anno e mezzo fa. Per quanto riguarda la gavetta, ne ricordo davvero tanta: penso di aver suonato in più dell’80% dei locali romani e in qualsiasi condizione. Fuori la Capitale, inizialmente, non abbiamo fatto granché, ma c’è da considerare che i primi tempi avevamo anche 15/16 anni e quindi era un bel po’ complicato spostarci.

Dopo questa gavetta, è arrivata anche una grande occasione televisiva con X Factor… com’è stata?

Eravamo partiti molto tranquilli, non ci aspettavamo nulla di che, forse l’avevamo presa anche un po’ sottogamba, ma ben presto ci siamo accorti che avremmo dovuta prenderla più seriamente. L’impatto, infatti, è stato impressionante. Abbiamo immediatamente notato un grosso salto di qualità soprattutto a livello tecnico. Tutti ci han trattato fin da subito come dei professionisti della musica. Abbiamo avuto modo di capire e apprendere i tempi e i modi di approcciarsi alla musica di chi di musica vive e ci siamo resi conto sempre di più di quanto sia necessario impegnarsi al 100% per essere musicisti nella vita.

Vi ispirate ad artisti internazionali di spessore come Arctic Monkeys, The Strokes, Kasabian… gente che fa generi che in Italia (ahinoi, n.d.r.) non hanno attecchito molto. Quanto è difficile fare musica con quei mood in Italia e addirittura, come nel vostro ultimo singolo, in italiano?

Combattiamo con questa cosa fin dagli inizi e un po’ di anni fa la situazione era ancora più difficile perché eravamo davvero in pochi ad ascoltare questi artisti. Il bello, però, è che tanta gente cominciava (e comincia) ad ascoltarci proprio perché facciamo musica nuova per l’Italia. L’idea di portare quei generi in italiano nasce proprio dalla volontà di fare una cosa che nessuno aveva fatto prima oltre che dall’esigenza di esprimerci nella nostra lingua. “Ho perso la testa”, il singolo uscito da poco, ed altri pezzi, sempre in italiano, li abbiamo composti prima del nostro percorso televisivo, quindi alla base non c’è alcuna esigenza/richiesta discografica. Anzi, abbiamo osato, ci siamo presi un rischio e ci è piaciuto molto farlo perché abbiamo seguito, senza filtri, l’evoluzione del nostro pensiero sulla musica e anche le nostre nuove influenze (King Krule e Cosmo Pyke, tanto per citarne due…).

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Raccontami qualcosa su com’è nata “Ho perso la testa”…

Sì. Lorenzo l’ha scritta d’estate, in uno di quei periodi in cui sei un po’ giù e non hai molta voglia di fare qualcosa. Allora ripensi alla scuola, alle esperienze passate e dai sfogo alla tua noia mettendola in musica. La noia e la nostalgia sono, senza dubbio, le parole chiave che stanno alla base della genesi del brano.

Il vostro futuro, che poi sa anche un po’ di passato visto che tanti brani ce li avete già pronti da tempo, quale direzione seguirà?

Considereremo ancora sia l’inglese che l’italiano: scrivere in inglese spesso ci viene più naturale, ma l’italiano è la nostra lingua e ci affascina proprio perché è così difficile lavorarci per fare il nostro genere di musica.

Se ti parlo di Libertines, Babyshambles, Pete Doherty…

Eh… venerdì al Social Park a Roma canteremo prima di Pete Doherty & The Puta Madres. È un sogno. Doherty è uno dei nostri miti fin dall’adolescenza. Per ora ce la stiamo vivendo abbastanza serenamente; siamo contentissimi, naturalmente, perché è la prima volta che ci capita di aprire il concerto di un artista così grande e che ci ha influenzato così tanto. Io e Lorenzo, nel 2015, partimmo il giorno stesso del suo orale della Maturità e ci facemmo dodici ore di pullman per andare ad ascoltare i Libertines. Quel giorno riuscimmo anche a parlare rapidamente con Pete. Venerdì, però sarà diverso: ci parleremo da colleghi e condivideremo lo stesso palco e lo stesso backstage. Ripeto, un sogno.

…Oltre a Pete Doherty ritroverete Roma con una notevole cornice di pubblico…

Suonare davanti ad un bel po’ di gente per fortuna non ci fa più paura, però, naturalmente, è sempre un’emozione nuova. Certo che esibirsi a Roma, poi, è uno sprone in più. Il nostro obiettivo nei live è quello di far trasparire sempre le nostre origini: ok, ci piace la scena inglese, ma noi non siamo solo quello; vogliamo dare il nostro personale contributo alla musica.

L’appuntamento con Pete Doherty & The Puta Madres, Red Bricks Foundation, VANBASTEN, White Def e altre possibili sorprese è venerdì 5 luglio al Social Park di Roma in via del Baiardo, 25.

Le migliori frasi dei brani di Sanremo 2019

In ordine alfabetico degli artisti, le frasi “salienti” dei 24 brani in gara al Festival di Sanremo 2019.
Achille LauroRolls Royce
“Voglio una vita così, voglio una fine così (C’est la vie). Non è follia, ma è solo vivere. Non sono stato me stesso mai, no, non c’è niente da capire…”
Anna TatangeloLe nostre anime di notte
“E adesso siamo qui e siamo nudi per la prima volta, senza il timore di fare una scelta e poi non scegliere mai…”
ArisaMi sento bene
“Guardo una serie alla tv e mi sento bene, leggo un giornale, mi sdraio al mare e prendo la mia vita come viene. Se non ci penso più mi sento bene…”
BoomdabashPer un milione
“Ti aspetto come i lidi aspettano l’estate, come le mogli dei soldati aspettano i mariti. Ti aspetto come i bimbi aspettano il Natale, come i signori col cartello aspettano agli arrivi e non è mai per me…”
Daniele Silvestri feat. Rancore Argento vivo
“Ho sedici anni ma è già da più di dieci che vivo in un carcere. Nessun reato commesso là fuori, fui condannato ben prima di nascere e il tempo scorre di lato, ma non lo guardo nemmeno, e mi mantengo sedato per non sentire nessuno. Tengo la musica al massimo e volo, che con la musica al massimo rimango solo…”
EinarParole Nuove
“C’è chi dice che il tempo anestetizzi un ricordo, ma qui c’è ancora il tuo odore che ricorda ogni notte il tuo corpo. E cerco ancora una risposta anche quando non c’è, la superficialità dei tuoi sguardi mi uccide…”
Enrico NigiottiNonno Hollywood
“Nonno, sogno sempre prima di dormire, cerco di trovare un modo per capire. Corriamo tra i sorrisi dei colletti «giusti», ma se cadiamo a terra poi son cazzi nostri. La vita adesso è un ponte che ci può crollare, la vita è un nuovo idolo da scaricare. Stasera chiudo gli occhi ma non dormirò…”
Ex-OtagoSolo una canzone
“Resta con me perché da solo non ho fame, poi non è bello cucinare solo per me. È solo una canzone, abbracciami per favore, a te posso dire tutto, tutto ciò che sento. È solo una canzone, abbracciami per favore…”
Federica Carta e ShadeSenza farlo apposta
“Se avessi modo dentro la testa, cancellerei la cronologia. E non so quanto sbagliato sia fingere di essere un bravo attore, è ora che io me ne vada via: scomparirò in un soffio al cuore…”
Francesco RengaAspetto che torni
“Cerco ancora nei miei occhi il sorriso di mia madre. Mi manca da trent’anni e vorrei dirle tante cose. Che mio padre adesso è stanco e forse sta per arrivare, che la ama più di prima ed è l’unica cosa che sa ricordare…”
Ghemon Rose viola
“Lo sguardo segue fiero nello specchio questa linea curva lungo i fianchi. Mi fai sentire nuda ancora prima di spogliarmi, tu sei il pensiero nero che mi culla e anche stanotte scapperai su un taxi. Com’è difficile salvarsi…”
Il VoloMusica che resta
“Stanotte stringimi, baciami l’anima. Siamo musica vera che resta, non siamo un soffio di vento, non siamo un momento. Lo sai che il tuo posto è per sempre qui. Amore abbracciami, voglio proteggerti…”
Irama La ragazza con il cuore di latta
“E se ogni tanto le chiedevo come mai non giochi, diceva siediti qui affianco ed indicava su. Io in quella nuvola ci vedo solo un cuore vero, perché il mio a volte si dimentica e non batte più. Così cercando di salvarla, a sedici anni, il suo papà le regalò un cuore di latta, però rubò il suo vero cuore con freddezza in cambio della vita…”
Loredana BertèCosa ti aspetti da me 
“C’è qualcosa che non va, per essere seduti qui. Per dirsi almeno e dire almeno le cose inutili, che ti sembra vero solo se doveva andare poi così, che vuoi dare tutto, vuoi dare tutto e resti lì…”
MahmoodSoldi
“Penso più veloce per capire se domani tu mi fregherai, non ho tempo per chiarire perché solo ora so cosa sei. È difficile stare al mondo, quando perdi l’orgoglio. Ho capito in un secondo che tu da me volevi solo soldi….”
MottaDov’è l’Italia
“Mentre qualcuno mi guarda e qualcun altro mi consuma, per ogni vita immaginata c’è la mia vita che sfuma, e in un secondo penso a chi mi è stato accanto. In un pensiero lontano, ma nello stesso momento, tu su un tappeto volante, tra chi vince e chi perde e chi non se la sente: dov’è l’Italia, amore mio?”
Negrita I ragazzi stanno bene
“Tengo il passo sul mio tempo concentrato come un pugile, sarà il peso del mio karma o la mia fortitudine. Con in mano una chitarra e un mazzo di fiori distorti, per far pace con il mondo dei confini e passaporti, dei fantasmi sulle barche e di barche senza un porto, come vuole un comandante a cui conviene il gioco sporco, dove camminiamo tutti con la testa ormai piegata e le dita su uno schermo che ci riempie la giornata…”
NekMi farò trovare pronto
“Libri di milioni di parole, ce ne fosse almeno una per essere all’altezza dell’amore. Frasi di chissà quale canzone, ne venisse adesso una per essere all’altezza dell’amore…”
Nino D’Angelo e Livio Cori Un’altra luce
“Na luna ngopp o mare ca t’accumpagna a sera pe te fa ascì a stu scur ca te ten prigiuniero. Te posso da cient’ uocchie che t’appicciano ‘a vita, ma sarà sempe scuro si nun ce crire, si nun ce crire…”
Paola TurciL’ultimo ostacolo
“Fermati, che non è l’ora dei saluti. Vieni qui e abbracciami per due minuti. Guardaci da fuori, siamo la fotografia del giorno di un mio compleanno. Ricordo quando tu mi hai detto «non aver paura di tremare», che siamo fiamme in mezzo al vento, fragili ma sempre in verticale. Magari no non è l’ultimo ostacolo, ma è bellissimo pensare di cadere insieme. Piove però siamo fuori pericolo: riusciremo a respirare nel diluvio universale…”
Patty Pravo e BrigaUn po’ come la vita
“Tu dove vuoi volare? Hai tempo per pensare, ma intanto dimmi almeno dove il cielo va a finire. Ricorda di giocare e di portarti altrove. Io resto qui a capire come illuminarmi il cuore, come illuminarci il cuore…”
Simone CristicchiAbbi cura di me
“Ognuno combatte la propria battaglia, tu arrenditi a tutto, non giudicare chi sbaglia. Perdona chi ti ha ferito, abbraccialo adesso, perché l’impresa più grande è perdonare sé stesso. Attraversa il tuo dolore arrivaci fino in fondo, anche se sarà pesante come sollevare il mondo e ti accorgerai che il tunnel è soltanto un ponte, e ti basta solo un passo per andare oltre…”
The Zen Circus L’amore è una dittatura
“Il tempo passa lo senti da questo orologio, mentre lavori dentro un bar, ad una pressa o in un ufficio e speri ancora che qualcuno sia lì fuori ad aspettarti, non per chiederti dei soldi, neanche per derubarti, non per venderti la droga e soffiarti il posto di lavoro, ma per urlarti in faccia che sei l’Unica, sei il Solo…”
UltimoI tuoi particolari
“Oh, fa male dirtelo adesso, ma non so più cosa sento. Se solamente Dio inventasse delle nuove parole potrei dirti che siamo soltanto bagagli, viaggiamo in ordini sparsi. Se solamente Dio inventasse delle nuove parole, potrei scrivere per te nuove canzoni d’amore e cantartele qui.”

Bye bye 2017: playlist di un addio indi(e)spensabile

Quest’anno niente classifiche, niente pezzo o album dell’anno.
Vi lascio dodici pezzi – uno per mese – che mi hanno aiutato a “sfangarla” in questo anno orribile.
Inutile negarlo: il 2017 è stato l’anno della musica indie, del nuovo pop/cantautorato italiano o come volete chiamarlo voi… ergo, vi proporrò pezzi tutti più o meno indie.
Gennaio
Cosmo – L’ultima festa
Febbraio
Baustelle – L’era dell’acquario
Marzo
Thegiornalisti – Sold Out
Aprile
Brunori SAS – Canzone contro la paura
Maggio
Ex Otago – Ci vuole molto coraggio feat. Caparezza
Giugno
Lemandorle – Ti amo il venerdì sera
Luglio 
Coez – E yo mamma
Agosto
Carl Brave X Franco126 – Polaroid
Settembre
Le luci della centrale elettrica – A forma di fulmine
Ottobre
Colapesce – Ti attraverso
Novembre
Gazzelle – Nero
Dicembre
Galeffi – Occhiaie